原创《千叶成夫：线条的深度迟群作品》
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在画室里,桌面上平放着一张蓝色的绘画作品,画面上的划线处如同波浪一般反射着光线,闪闪发亮,微动涟漪,既像是绘画与光影之间的嬉戏,也仿佛是光的表演.面对光线,绘画奔放不羁地展现自我,悠游自在地舒展本我的姿态.光线洒在整张画上,看似为所欲为,但如果不借由绘画,也无法主张自我的存在.只是把一张作品平放在桌上而已,居然就可以让光线展现这么丰富的姿态！我的内心十分讶异,或者说,我从中得到了某种感动.
一旁的墙上也整齐地挂着同为蓝色系,美不胜收的作品三幅.只是因为平放在桌面上的那幅画在光线下太过夺目,令人印象深刻,所以,我一时没有把焦点放在墙上的作品上.但是,只要目光一旦落在那几幅整齐排列的作品上,我马上就被在画作上闪耀的光芒、画作与光线的交互作用所吸引.一般而言,我们都是欣赏垂直悬挂的绘画作品,作为观赏者时常会意识不到作品在这种状态下被隐藏的某些特质,或者说,当作品被平放时,那些特质才得以彰显.这个偶然在我走进迟群画室的一刻被窥见,告诉我原来有这么一回事.但是,我相信,艺术家们必然早就心知肚明了.
偶然欣赏了平放在桌面上的作品之后,我再度仔细观赏挂在墙上的作品,可以察觉出画作中隐藏着闪烁的光芒,也能更准确地捕捉到作品内部的空间.迟群的作品虽然是抽象的,但是她所诠释的抽象又是什么呢？我认为引用一些关于抽象的既定概念,或者是以抽象画派历史的延长线这种角度来马虎说明,并无法了解迟群作品的真谛.以挂在墙上的作品而言,光影与绘画之间的交互作用,表现更臻至完美.如果我们忽略了这些细节,仅仅标榜着“抽象”一词,是无法接触到她作品的本质的.比起平放在桌面上的作品,墙上的画作在光线的投射之下显得更加细致、更加紧凑,存在着不仔细观赏就无法察觉的细微振动.这些都是我们必须赞扬的作品之美.
过去所谓艺术家的创作就是把眼之所见的外界事物忠实地,或者是稍微变形地重现于画布之上.但是时至今日,这样的作品大多难以提起观赏者的兴致,因为几乎都只是无谓的复写行为罢了.迟群以创作不同于过去风格的作品为目标,她自己说道,透过立体主义与塞尚晚年的作品,她学习到如何摆脱过去着重于再现的风格,迈向完完全全的抽象.所谓的“抽象”（Abstract）,打个比方来说,从柠檬中榨取出最精华的果汁成分,就是抽出本质的行为.换句话说,抽象画已经不是在描绘什么具体事物了,而是画出绘画本身,或者说是使“绘画”的本质由画中自然显现出来.抽象画就是这种最注重本质的画派.
对迟群来说,抽出本质的切入点便是“线条”.绘画由线条、色彩、空间所构成,或者说,由线条与色彩组成的空间即可称为绘画.首先,迟群在画布上作出好几种颜色的层次,然后再开始刮去部分画面,线条便由中而生.线条的深度决定画面的颜色.比方说一半留下最上层的颜色,另一半把颜色刮到某一层,其中的线条就会产生层次的差异,这样的作画方式造就了她的作品空间,而光影便在这些层次差异之间穿梭自如.
在画室里,我问了她几个问题,回答时她讲了类似这个意思的一段话：“当我把蓝色颜料一层层刮去时,直觉告诉我就是它了.”也就是她试了好几种颜色,直到蓝色才开始自觉到自己正在做什么、想做什么.我认为这与人类把天空看作蓝色有一定的必然关系.所谓的空间,首要便是蓝色的.我第一次造访她的画室时,第一个映入我眼帘的就是那幅平放的蓝色作品,这只是偶然,但是,我觉得似乎并非单纯的偶然.
再者,从平放于桌上的蓝色作品中,我还有另一个感受,那就是艺术家活生生的创作过程.无论迟群在画布上画直线还是横线,画布上划线的痕迹,横线看起来尤其生动.一旦将画作平放,即便是已完成的作品,也似乎回到了待完成的状态.比起作品的整体,我更仔细观察刮过的线条等细节.也就是说,我仿佛处在作画现场,身历其境地看着她创作的过程一般.这种创作行为,与线条、色彩、空间等要素并列,可以说是构成迟群作品的另一项重要因素.
当被挂在墙上时,作品便脱离了艺术家,虽然艺术家全心全意于画作之中,一旦将作品展示出来,它便以自我的姿态独立存在.当然,艺术家的心灵、感官、精神、思想都完整地表现于作品之中,这是毋庸置疑的.但是作品的样貌之所以能够展现,是因为作品已经离开了艺术家的身体,艺术家的化身没入绘画的深处,由作品的内部支持着画面,不会表露在外.然而,当我们将作品平放时,其内部蕴含的那个艺术家的化身便奔放流露于外.仔细想想,这真是不可思议.
不,这也不能说是不可思议,因为迟群的抽象画,即便是完成的作品,只要仔细观察便会发现,其实并非静止的画面.一般描绘外界存在的事物时,由重现的那一刻起,时间便停止下来了.但是她所尝试的并不是一种设计,也不是单纯以造型上的元素组合而成的抽象,她是把自己的心灵、感官、精神、思想,透过一种形而上的方式表现出来.所谓的心灵、感官、精神、思想,是指在她的身体与脑内的活动,这些活动在本质上是不会停滞的.所以,当作品被平放时,孕育作品的过程便以动态的方式显现于外.
但是,即便是挂在墙上,迟群的作品当然也是动态的.作品表面虽然是静态且端庄的,但那是心灵、感官、精神、思想这些身体与精神的活动,在画面上以一种受控制的方式表现出来,这些活动在画面上被整合为一.关于迟群的抽象,我只能用这种方式解释：她不是要描绘什么具体事物,也不是仅止于一种安逸的造型组合,而是试图在作品中表现心灵、感官、精神、思想整合为一的状态.把这些无法具体描绘的身体与精神的活动,借由线条、色彩、空间、光影的辅助表现出来.线条、色彩、空间、光影这些元素虽然都是中性的,但是艺术家利用这些元素实现一种“状态”,一种非常贴近艺术家本质的“状态”.
如果要问是否能透过具体事物的重现来实现这种状态,我认为是做不到的.不仅如此,我甚至主张只要意图描绘具体事物,就只能仰赖过去传统的绘画模式.近年来的中国现代绘画始终贯彻我所谓的“新波普艺术”（New Pop）,但是已经很明显地走进了死胡同.像迟群这样“新波普艺术”之后的新一代艺术家,已经了解到继续沿用原有的方式是无法体现本质的.
我们必须以这种思维作为出发点,即某些绘画作品已经不再拘泥于要画出什么具体事物,所以必然会走向一种形式上的“抽象”,但又不是过去那种以“构成”为中心的抽象画派.对迟群来说,绘画只不过是一种形式或手段,目的仍然在于心灵、感官、精神、思想的实现.没错,作品不再探讨“表现”,而是将重点摆在“实现”上.她（们）所尝试的,是从表现（Expression）的艺术,转向实现（Réalisation）的艺术.
在这里,我刻意使用法语的“Réalisation”,是因为这个词对于晚年的塞尚以及同年代的艺术家来说都很熟悉.他们不仅止于描绘而已,就如同塞尚把从他眼前一直延伸到圣维克多山（Montagne Sainte-Victoire）的风景现实化（réaliser,将现实世界的风景与同等的事物以某种造型的方式表现）一般,他的作品中存在着这样的转换过程.这种尝试的登峰造极之作,当然是莫奈晚年的作品《睡莲》系列.睡莲浮在倒映着周遭景色的水面上,几乎所有的要素都已抽象化,却又是现实（réal）之物.当然,21世纪的中国艺术不能以同样的方式发展,每个世代都有属于那个世代的动机、必然性与方法.但是,迟群却正在尝试这种“实现”的艺术.
迟群的创作主轴是线条,但是此处所谓的线条并非由画笔蘸上颜料所绘出的,而是在画面上划制产生的线条,不是在画面上附加上去的,而是削减下来的.如前文所述,这种刮去的手法,在线条产生的同时,也将层次的差异显露于外,孕育出开阔的空间.只不过这些线条是因为一条条不断被刮去而布满整体画面（或者我该说是线条满布于整体画面之上）,在那之中产生的空间几乎不会从凹凸的线条之间跳脱到画面之外,仿佛这些线条停留在画面上持续振动,因而也为她的作品带出了一种紧凑感,我就是被这一点深深地吸引.
换言之,迟群创作出这些线条的行为,同时也兼具防止空间往外扩散之效.我不知道她自己是否也明白这一点,但是以结果来说,她的作品达到了这样的效果.借此我们可以看出她对创作过程的态度,不仅止于线条,整体而言也是一以贯之,透过克制的方式,反而阐述了更多的内心世界.
接触到迟群的作品之后,我才第一次了解到,线条不仅能沿着画面水平发展,更可以伸入画面的深处.当然,以她的作品而言,这种深度并非停留在视觉上的表现,而是透过划制的方式,作出既浅又深的刻痕所形成的.线条居然可以在平面作品上制造如此立体的感受,实在令人惊奇！
而且,迟群的“线条”虽然是线,但是又不止于线.因为她所绘出的线条集结成带状,也可以说是一种“面”的表现.我并不是指复数的线条集结成带状之后就自动形成平面,而是成为带状的同时也让观赏者感受到线条的存在.总而言之,由具有线条的带子与没有线条的带子所交互形成的作品中,我该怎么说呢？虽然作品整体以线条构成,这线条就如同建筑物的骨架,但从作品整体来看,却又完全是一个平面的作品.
这与前文所述线条在平面作品中表现空间的部分并无矛盾.我认为,迟群的作品比我们想象中的还要珍奇稀有,还要不可思议.我也隐约感觉到,也许我们尚未能窥探出她的作品全貌吧.
千叶成夫是亚洲当代艺术的重要研究专家,日本中部大学教授.曾任国立现代美术馆主任研究员（1975—2001）、卡塞尔文献展（1985）日本顾问、“日本前卫艺术展”(蓬皮杜艺术中心,巴黎,1986—1987) 研究员、“观念艺术展”（皇后美术馆,纽约,1999）日方策展人、“中日当代艺术展”（釜山市立美术馆,釜山,2010）策划.另有《日本美术尚未生成》《美术的现在地点》《当代美术逸脱史》等重要著作.
千叶先生1970年代起关注韩国当代艺术的发展,1987年前来上海、北京等地考察85’ 前卫艺术运动的发生与发展,此后常年观察中国当代艺术的发展.在中国当代艺术刚刚跃上国际舞台的1992 年,便在国际上发表了关于中国艺术家创作的研究文章.
线条论文参考资料：
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