原创《谈山水画对景写生和对景创作的相似性和差异性》
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摘 要：对景写生是山水画家了解大自然、熟悉大自然从而创作具有时代气息山水画而进行素材收集的一个过程.写生作品同样具有很高的艺术价值.对景创作是画家直接面对大自然,表现大自然的一种创作方法.作品具有较大完整性.对景写生与对景创作两者具有相似性,同时又各具特色.它们是相互相成,互为促进的关系.
关键词：对景写生；对景创作；相似性；差异性
贵州省2015年省级本科教学工程项目："凯里学院美术学专业综合改革“（编号：szzgs201501）阶段性成果之一.
山水画对景写生是一个尽人皆知的话题,而山水画对景创作则是近年美术界经常提及的新的慨念,也是诸多艺术家正在从事的艺术活动.曾经与同道讨论过关于对景写生与对景创作的区别,很多人说对景写生其实也就是创作,因为写生同样也需要运用艺术手段,绘画技巧以及对景物进行裁切、取舍来进行表现.殊不知相对真正对景创作而言,对景写生无论从所用工具材料、表现形式、技术层面或者意境发掘、内涵和外延等都有一定区别.为了较为清晰地把对景写生与对景创作的相似性与差异性阐明清楚,笔者试图从以下几个方面进行比对研究,与同道探讨.
一、在工具、材料上的相同与相异
对景写生与对景创作都是画家走进大自然,面对实际景物作画的一种艺术活动.对景写生的作品既可以是完整的,艺术性很高的,也可以是为创作服务而进行的素材收集、生活体验的随性画作.如果是素材收集的写生,对画面的完整性就不需要很高的要求,同样对写生工具和材料也就没有统一的要求,可以用毛笔、宣纸进行水墨写生,也可以用速写本、硬笔采用速写的方法进行写生,还可以借助现代摄影工具或者其它的记录工具和材料.
古代有关于对景写生及其所用工具材料的记载,如五代画家荆浩“隐居于太行山之洪谷……尝携土笔写生数万本”.“土笔”据考证就是现在人们打稿用的木炭笔.它是将柳条去皮、晾干,然后装在闷罐里从罐外进行高温加热,使其柳条碳化而制成.元代画家黄公望说他云游时“皮袋中置描笔在内,或于好景处,见树有怪异,便当摸写之”.“描笔”近似现在的蘸水笔,是用竹枝削尖,从中间破开然后夹上棉花之类的可以增加墨水含量的自制竹笔.
对景写生的目的大致有三方面.一是为了造型练习,把握大自然物象的生长规律,熟悉大自然、了解大自然.二是记录大自然中的形象资料,为创作贴近生活的山水画而专门进行的一种素材收集活动.三是山水画家的习惯,比如偶尔路过某一地方发现不易经常看见的事和物,快速将其记录下来,以备不时之需.
对景创作在这里主要指完全的水墨画对景创作.大家都知道,山水画创作除了以水墨画为载体的表现形式别无其他.它是直面大自然,表现大自然.工具和材料是中国画专用的毛笔、宣纸、墨和国画颜色以及画板、毛毡等等.对景写生可以在工具材料上有多选,而对景创作则必须是中国画工具和材料.对景创作一般都是有备而来,在时间上要有保障,它必须是稳扎稳打的画.二是对气候也有一定要求,如遇雨天在室外就难以完成一幅作品.
这里需要说明一点,这种创作不是主题性的,只是相对对景写生而言,在画面构成上较为完整,在意境上较为深邃.
二、面对实际景物在画面处理上的相似与区别
对景写生是有目的性的,但很多时候也是即兴的.到了写生目的地可以非常灵活和随机应变的画什么与不画什么.可以只画一棵树或者半颗树,可以只画一栋房子或一条渔船.尤其是作为素材收集的写生,画面不需要更多的完善和修饰,它往往要求的是把眼前看到较为特殊的,今后可以派上用场的景物表现出来即可.当然对景写生也可以画层次结构丰富的画,因而对眼前物象也可进行添加、删减或者挪移,并不限定写生只能做什么不能做什么,关键在于画家的艺术取向.经常有人说：“写生就是写生,不要求过于完善和完美,否则就不叫写生”.
对景创作要求的画面无论从内容到形式都应该是相对完善的,仅仅象前面提到对景写生的要求和表现的范围,完全不足以体现“创作”这一内涵,一幅对景创作需要画面有层次感,有主体形象,有陪衬,有画眼,有意境,讲究章法和构图等等.由此而来它需要对物象进行画面需要的组合,要求画面的各种形象因素都要完备.它的内容、构成要素、画面效果相对对景写生要丰富和复杂得多.要达到这一目的和要求,就得像林丰俗先生说的：“对景创作时,不仅可以把眼前的画入画中,也可以把身后的画入画中,同时还可以把更远曾经看见的画入画中.”
要把“曾经看见的画入画中”,开笔之前就得做一些工作,那就是要求画家事先得四处走一走,看一看,把大环境所见的景物尤其是具有明显地域特征的物象记在心里,在对景创作时,随时把“走一走,看一看”所见到的画进画面中.其实作画之前的走走看看就是对景创作的第一步工作,而且是非常重要的工作.不去多走和多看,把更多的形象谙熟于心,并根据需要将其画入画中,画面就容易空乏.这一步有人称之为“人在画中游”.
对景写生也强调先走走看看,这个走走看看主要目的是选景,是为了在一定范围内找到更美的角度或者景物而进行的工作,并不是为了下一步在别的地方对景作画时把当下看见的画入写生画中.
三、在艺术表现技能技巧上的相似性与差异性
画山水无论是对景写生还是对景创作,在艺术表现规律上基本相同,都需按照艺术规律的要求对自然物象进行艺术处理.面对真山真水,怎样把自然物像变成艺术符号或者艺术语言,是室外作画都绕不过的基本技能,也是对景作画必须解决的问题.用线造型、黑白灰处理、构图、章法、画面的平衡处理等等都是绘画术语,也是作画必须掌握的基本知识.
对景写生与对景创作在技能技巧上的区别主要体现在大画与小画的处理和表现上.在这里暂且排除不同写生工具和材料的绘画形式,单就都用水墨工具材料对景作画进行比对.对景写生一般都用尺寸较小的画幅,如四尺六开或者三开,亦或是四尺斗方.它可以画一个局部景物,也可以画一两个层次的画面,只要有画面感,能达到记录生活的目的就可以.当然也不排除物象造型和笔墨语言的丰富性.而对景创作相对画幅都比较大,一般都是四尺斗方及以上的尺寸.我参加过广西艺术学院黄格胜先生在广西融水青山寨的对景创作活动.也参与广东佛山画院韩浪先生在贵州丹寨石桥村对景创作.他们用的都是六尺或八尺整纸,黄格胜先生还用了整张长二宣.大画面,大开局自然有别于小画面小开局的气势,对技能技巧的要求也是有天壤之别.
画大幅作品与画小画无论是技术层面还是艺术处理层面,难度会随着画面的增大而成倍增长.画面大不是把物象放大,它要求画里的容量大、内容多,也就是内涵要更加丰富.这个内涵不仅仅是物象的多样性,更多的是艺术语言的多样性.具体一点说,画一幅较大的山水画,画面里的各种形象因素要更加丰富和完备.
何为形象因素？山水画里的山石、树木、建筑、云水等等及其用什么样的笔墨语言去表现？是浓是淡、是干是湿？是点墨还是双勾？主体山怎样安放？画眼安放在什么位置？如何皴擦染点才能符合法度.画里的各种符号以及艺术地处理这些符号的方法和手段,概括起来即所有的笔墨痕迹都是形象因素.
在这里还想对初学者赘述几句,初学写生的人对景作画如何把自然物象变为艺术形象是一件非常棘手的事,许多人在室内临摹或者仿照性创作还可以,真正走进大自然,面对庞大的山体和自然物象就茫然,不知道从何下手.笔者建议从以下几个方面去进行.首先做好课前准备——临摹传统和当代名家作品,认真解剖他们对物象的处理方法,掌握艺术规律.比如他们对丛树的表现,首先研究他怎样穿插树枝和树干,其次研究前后的树叶又是怎么处理的？往往前面画了夹页,后面的树叶基本就是点叶,反之亦然；前面用了浓墨,后面的基本就用相对淡一点的墨；前面用了大的笔触,后面一般都用小一点的笔触等等.前后左右的物象需要用对比的方法去进行,有对比才有变化,变化中求统一.中国画的任何一个团块都不是用单一的技法死板一块地表现.其次,在理解中国画基本的表现规律和方法后,试探性地对生活中的物象凭感觉进行自己认为合理的组合表现.这样反复多次就能找到自己的语言.再次,多研究近现代在对景作画方面取得成功的画家的心路历程,研究他们的师承关系,研究介绍他们的文章,研究他们的笔法、墨法、章法、图式等等,这样就能尽快进入对景作画的大门.
对景写生与对景创作是对景作画的两个层次,可以说它们是一种递进关系,对景写生是对景创作的基础,对景创作是对景作画的最高境界.要能进行对景创作,必须经过对景写生这一关.有志于山水画者,对景写生或对景创作都非常重要,他能促使人们改变墨守成规的不良习惯,创作出自己独特感受的艺术作品.
相似性论文参考资料：
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