原创《架上绘画之图像交叠的视觉冲击》
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摘 要：如今,架上绘画的表现形式发生了两个特征性的转变：一是表现形式从具象转变为抽象或意象；二是由再现客观世界转变为表现主观世界.其中,图像交叠是当下架上绘画中颇为显著的表现形式.文章以尼奥·劳赫和大卫·萨利两位当代西方画家的作品为范例阐述这一转变,归纳绘画表现形式发生转变的原因.
关键词：架上绘画；图像交叠；表现形式；尼奥·劳赫；大卫·萨利
就当下架上绘画领域而言,绘画的“表现形式”已经越来越丰富.以毕加索的《格尔尼卡》和德拉克洛瓦的《希奥岛的屠杀》为例.两幅绘画同样都是表现战争题材,但是从作品的表现形式来看,却是大相径庭.《希奥岛的屠杀》真实地刻画了侵略者和倒在血泊中绝望挣扎的孤立无助的受压迫者的惨状,是具象的画面；《格尔尼卡》则是以象征性的手法、表现了战争的罪恶和灾难的悲剧性.毕加索通过这些极度夸张、变形的图式,表达了他对法西斯暴行的强烈仇恨.表现形式发生转变的原因,无疑和高科技的进步以及人们不断对精神层面的探求有着密不可分的关系.当绘画不再只是对一个场景的记录,这时,对于艺术家而言新一轮的挑战便开始了——如何用自己的绘画为自己的想法说话.
当下的架上绘画是一个多元化的绘画形式.卡特琳娜·米勒在其著作《当代艺术》中明确指出,“当代艺术”是“有传统的、古典的、现代的和当今的,这个词语不是用来定义当今艺术的所有实践”.陆琦在他的《当代具象绘画》-书中提到：“只要看看近30年的各种运动、流派、潮流,比如说虚拟图像中的绘画行为,就可以看出当代的艺术也是宣称要革新传统模式的艺术创作.”
所以,当代的架上绘画有其独特之处,其中最为显著的是对常理的种种颠覆,也就是对历史和现实的重新审视,打破一些我们曾经在思维、形象上的惯性,形成一种全新的视角.随着科学技术的日益发展,以照相机的产生作为一道分水岭,艺术家们所追求的不再是对一个人物或者一个场景的如实记载,也不再是对某个历史画面的感慨与讴歌.当面临这样的“改革危机”时,艺术家们逐渐步入更深层次的思考.沿着这条历史的长河,我们不难发现,艺术家们的追求从外至内,从宏观到微观,艺术和艺术之间不再是分门别类,而是进入了一个“相互学习”的状态,也就是所谓的“大美术”现象.另外,艺术家们开始追求绘画语言的个性化,绘画作品的个人化特征也越来越显著.
图像交叠正是形成这种全新视角的一种方式,于此同时,它也成为了当下架上绘画中颇为显著的表现形式.可是换一个角度来说,是否为了图像的叠加而叠加呢？它存在的意义是什么呢？它为什么可以成为当下架上绘画的一种表现形式呢？正如前面所提到的,任何一种绘画形式的产生都是为绘画者的某种思想观念而服务的.也就是说,如果没有一个核心的观念贯穿于画面上,任何的表现形式只会让人眼前一亮却无法触动心灵.
那么图像交叠究竟会为观众带来怎样的视觉效果呢？我们不得不承认,随着信息时代大量的资源涌现,现代人的思维模式是丰富的,是跳跃性的.每一天,当我们拿起手机或者打开电脑等,大量的图片、评论、访谈、新闻类的信息就会一拥而上,让我们“大饱眼福”.人们已经无法满足于单一的信息或者单调的画面,总是希望可以了解更多.这种内心的“不安静”导致我们有了更大的好奇心.
图像交叠所带来的视觉冲击力恰好可以满足我们那份好奇心.是时间碎片的重组,还是某段回忆的交织,亦或是哪出梦境的画面叠加？一个个零碎的情节似乎在述说着不同的故事,神秘而深邃,散落的情节引发观众的好奇心,也会将观众的思绪带入画面里面,使其总是希望可以找出部分之间的关联性.可是当我们纵观整幅画面时,又会惊讶于那种微妙的和谐与统一.思绪的片段真的是断断续续的吗？真的只是艺术家随心所欲的几笔吗？我个人更倾向于用散文来解释这个现象,看似零散的段落,却都在为一个主旨服务,形散而神不散.如图一,在尼奥·劳赫的这张作品中,我们很难断定每个人物之间有什么特定的关系,室内和室外所发生的事情有什么关联,右下方的三个小人物起到了怎样的作用.但是我们却不会将这张画面的任何一部分分割,画面里面的那条鱼就仿佛是每一小部分之间的链接,使我们相信画面的内容是整体的、完整的.
当我们谈及图像交叠的视觉冲击力时,除了为观众带来的独特的心理感受以外,就绘画语言本身而言,这种画面的构图也是十分独特的.我们很难从画面里面看到传统构图的影子,比起我们认知范围内的构图形式,图片交叠的绘画构图形式更贴近于中国绘画的散点构图,没有视觉聚焦的中心,就像一部在播放的电影,不同的画面呈现在一个空间里面,也正因为这样的独特性,使得观众更关注于画面的情节.如图二,在拉斯·埃林的这张作品中,就构图的定义而言,画面属于平面构图,物体和物体之间没有明确的空间关系,在黑白灰关系的调和中,画面有了自己的中心.在这样一个平面的空间里,位于画面中心的人物和那扇显眼的门成了画面的中心,也成为了观众思考的中心.
尼奥·劳赫(Neo Rauch) 1960年出生于莱比锡,他无疑是20世纪最优秀,最受关注的德国艺术家,就他这一代来说,他代表了德国的国际艺术.对此,陆琦说：“他的具象绘画运用超现实主义的手法和形而上的意境,加上一种漫画式唯美主义与社会现实主义结合的场景,让人想起前德国时期的创作特点.而彼此不相连的、拼贴画的构图组合,更增加了一定意义上的不确定性.”他赋予了超现实主义传统一个意想不到的现实,并用奇特的意象表达了自己的观点.
劳赫的绘画主要集中于社会问题和面对当代文化,以及人们的心灵状况.劳赫通过其独特的艺术媒介,找到了最好的表现方式.劳赫的作品折射了20世纪早期人类社会在同等程度上体现出的觉醒和懵懂,全球化的隐现与遮蔽,有意的隐瞒和公开的撒谎,这些思想都在其作品上有所体现.
在作品《进化》中,画家通过图片交叠的方式形成了画面多层次的空间组合.画面中间一个双头的男子,将整幅画面沿着对角线的方向分割成两部分,画面左下角几位人物似乎正在创作和书写；右上角的一群人物像是在观看也像在表示内心的不满,右下角的阶梯是否是时间的象征？画面上方的三只手是在记录什么？多层次的画面重叠,无疑增加了理解画面的难度,使得不同的人会从画面里面看出不同的寓意.他的画面,透过图片重叠的方式,给我们带来了一种充满了时间碎片的记忆和想象.
大卫·萨利,1952年生于美国俄克拉马州诺曼,是20世纪80年代以来最重要的美国新表现主义画家之一.图像交叠是大卫·萨利最具特征的表现手法.他的画面形象把诸如艺术史通俗插图、新闻照片、技术草图、著名油画、电影剧照,随手翻阅的通俗杂志甚至性生活入门手册等看似无关联的图像进行重叠和并置.这些原本没有任何逻辑关系的图像,在他的画面中获得重构,彼此之间的相互作用使得画面产生了全新的意味.令人头晕目眩的混合使得这些不相关因素被融入一种惊人的气势,并产生了一种全新的具有独立性的象征风格.这些因素构筑了犹如梦境般的超现实主义气氛,从原来的逻辑关系中剥离出来,在萨利的画中重新构成关系,并在观众的眼中形成充满艺术想象力的意外发现.谜一样的画面空间暗示现实世界本身的谜.萨利说,“事物之间的联系不是偶然的”；“先有世界万物之间存在的联系,而后便有我画中的形象之间存在的联系,那些联系并不相同,看不到二者的差异大概是最令人困惑不解的”.
在作品<模范卡顿》中,由5幅不相干的图像相接、叠加而成,好似一幅毫无关联的随意拼贴画,但是隐含了内在的逻辑.有评论写到：“著名音乐家基姆斯·卡顿的典型形象被安置在上方,下方埃及神像象征了卡顿在大众心中的位置,而原始的野猪和丛林图片,也许象征了卡顿用那略带沙哑的嗓音叙事般地说唱斑驳的、尘封往事的风格,画面类似于电影的蒙太奇手法,既诙谐、混乱又在内容上表现了思维的连贯性.”
萨利的画面表面是不相干、没计划的图像之间相互重叠的结合,制造出的画面各式各样好像庞杂无序,但就总体而言,有其独特的思想观念贯穿于始终.列举完大师们在艺术创作中对于图像交叠的实际运用,其实可以大致看出图像交叠所产生的视觉效应.虽然每个人所表达的创作主题不同,但是在图像交叠的使用上却有着如出一辙的地方.
在画面上,图像交叠所产生的视觉效果往往呈现出一种时空的错位感,仿佛是不同时空、不同内容的场景整合在一张画面中.就每个场景个体而言,内容都是具体和清晰的.可是当这些场景抛开透视、时间的因素聚集在一起的时候,就会产生一种错位的视觉感,甚至可以说是一种神秘感.因为画面透露出许多未知的信息,就好像是一部由许多的预告片集合而成的电影,没有一个合乎逻辑的故事情节,可是每一部分又好像透露出一个相关的主题.这种错位的视觉效应所带来的最显著的特点是会给观众提供一个想像的空间,会形成我们所谓的“互动性”.
在当代绘画中,我们越来越重视画面与观众之间的互动性.画面虽然是无声的,但是却可以使观众就画面的呈现,产生各种思考与遐想,甚至成为了该作品的一部分.看似无声,实则进行着一场有声的对话,或感慨,或欣喜,或悲叹,因人而异地给予画面更多的诠释.
“图像重叠”作为时下较流行的表现形式,它具备不断探索和延伸的创作可能和广阔的研究前景.在创作的时候．笔者会有一些对此表现形式的再思考,不同空间的拼贴能不能是一种“图像重叠”？不同材料的拼贴能不能是一种“图像重叠”？甚至当一个作品中既有平面元素又有立体元素,当它们之间的结合是为一个中心,那这又算不算是“图像重叠”的一种延伸？
这是一个思考的开始,也会带领艺术家们进入更深的思考.
图像论文参考资料：
评论,该文是关于图像方面的大学硕士和本科毕业论文以及视觉冲击和图像和绘画相关图像论文开题报告范文和职称论文写作参考文献资料。
